Gitarrenatelier Peter Schulte / Wuppertal

Aktuelle Musik-News zum Thema Musikwaren...

11.05.25 - Optima Strings – Tradition und Qualität aus Deutschland
Seit über 100 Jahren steht Optima Strings für erstklassige Handwerkskunst und Innovation in der Herstellung hochwertiger Saiten. Das deutsche Unternehmen ist bekannt für seine Premium-Qualität und seine einzigartigen, mit 24 Karat Gold beschichteten Saiten, die Musiker auf der ganzen Welt begeistern.

OPTIMA 24K GOLD STRINGS – Der Klang des Goldes
Die OPTIMA 24K GOLD STRINGS gehören zu den edelsten und hochwertigsten Gitarrensaiten weltweit. Sie werden in Deutschland aus den besten Materialien gefertigt und entsprechen den höchsten klanglichen Anforderungen. Ihre 24-Karat-Goldbeschichtung macht sie widerstandsfähig gegen Anlaufen und Korrosion, wodurch sie besonders langlebig sind und sich auch für Nickelallergiker eignen. Dank ihres breiteren Obertonspektrums und ihrer hohen Dynamik bieten sie einen unvergleichlich brillanten Klang. Die Lebensdauer dieser Saiten ist bis zu dreimal höher als die herkömmlicher Saiten.

Sondereditionen – Legenden vertrauen auf Optima
BRIAN MAY Signature Strings
Die legendären Hits von Queen-Gitarrist Brian May könnten ohne die einzigartigen Eigenschaften der OPTIMA-Saiten anders geklungen haben. Er entschied sich für den "Sound of Gold" von Optima, und seine Signature-Saiten wurden speziell mit und für ihn entwickelt. Diese Saiten zeichnen sich durch ein verbessertes Kernmaterial aus, das eine höhere Reißfestigkeit und bessere Stimmstabilität gewährleistet.

FRANK ZAPPA Signature Strings
Auch Frank Zappa setzte ausschließlich auf die Qualität von Optima. Sein einzigartiger Sound wurde zu seinem Markenzeichen, und Optima hat seine Signature-Saiten wiederbelebt, sodass jeder Gitarrist die Chance hat, Zappas Klangcharakter in sein eigenes Spiel zu übernehmen.

JOHN ENTWISTLE Signature Strings
Der legendäre Bassist von The Who, John Entwistle, war ebenfalls ein begeisterter Nutzer der 24K GOLD STRINGS. Ihr brillanter Klang und ihre Langlebigkeit machten sie zu seiner bevorzugten Wahl.

OPTIMA MAXIFLEX 24K GOLD – Maximale Flexibilität
Neben den klassischen 24K GOLD STRINGS bietet Optima auch die MAXIFLEX 24K GOLD STRINGS an. Diese Saiten besitzen dieselben Qualitätsmerkmale, sind jedoch insgesamt flexibler, was ein noch differenzierteres Spiel ermöglicht. Ihr Motto lautet: „Maximum Sound mit Maximum Flexibilität“.

PAULO MORETE Signature Strings
Der renommierte Gitarrist Paulo Morete entschied sich für die MAXIFLEX-Serie, da sie durch ihre Klangcharakteristik, Zuverlässigkeit und Widerstandsfähigkeit überzeugt. Das speziell für ihn entwickelte Set 12028.PM sorgt für einen einzigartigen Sound sowohl im Studio als auch auf der Bühne.

Ein Vermächtnis der Perfektion
Optima Strings steht für eine jahrhundertelange Tradition der Saitenherstellung, die sich in jedem einzelnen Produkt widerspiegelt. Die Kombination aus handwerklicher Präzision, erstklassigen Materialien und innovativen Technologien macht Optima zu einer der führenden Marken für Musiker, die keine Kompromisse in Sachen Klang und Qualität eingehen wollen.
Mehr Informationen gibt es auf der offiziellen Webseite: www.optima-strings.com

03.04.25 - Weniger deutsche Musik im Radio: Studie zeigt alarmierende Entwicklung
Eine aktuelle Langzeituntersuchung zeigt einen deutlichen Rückgang deutschsprachiger Musik im Radioprogramm. Laut dem auf einer Datenplattform veröffentlichten Bericht machen Lieder in deutscher Sprache nur noch zwischen drei und zehn Prozent des Sendebetriebs aus. Die Analyse umfasste 139 deutsche Radiosender im Zeitraum von 2013 bis 2024 und offenbarte klare Unterschiede zwischen privaten und öffentlich-rechtlichen Anbietern.

Weniger Vielfalt bei privaten Radiosendern
Besonders auffällig ist die eingeschränkte musikalische Vielfalt bei privaten Sendern. Während öffentlich-rechtliche Programme im Jahr 2024 insgesamt 10.024 verschiedene Titel ausstrahlten, kamen private Anbieter lediglich auf 2.332. Der Anteil deutschsprachiger Musik ist bei Privatradios besonders gering: Nur drei Prozent der gesendeten Titel waren 2024 in deutscher Sprache – ein Rückgang um sieben Prozentpunkte im Vergleich zu 2013. Öffentlich-rechtliche Sender verzeichneten ebenfalls einen Rückgang auf etwa zehn Prozent, was einen Verlust von fünf Prozentpunkten bedeutet.

Musikalische Nischen kaum präsent
Die Studie zeigt außerdem, dass bestimmte Musikgenres im Radio stark unterrepräsentiert sind. Während bei privaten Radiosendern Jazz, Klassik und traditionelle Volksmusik nur vier Prozent des Programms ausmachten, lag ihr Anteil bei den öffentlich-rechtlichen Sendern mit knapp 30 Prozent deutlich höher. Dies verdeutlicht eine Ausrichtung privater Anbieter auf massenkompatible Inhalte.

Rückgang redaktioneller Musikformate
Besorgniserregend ist zudem der Rückgang redaktioneller Musikformate. Diese Inhalte, die Interviews, Konzertberichte und die Vorstellung neuer Künstler umfassen, machen nur noch 2,5 Prozent des gesamten Programms aus. Solche Formate spielen jedoch eine wichtige Rolle bei der Förderung neuer Talente und lokaler Musik.

Appell für mehr kulturelle Verantwortung
Die Untersuchung zeichnet ein kritisches Bild für die Musikvielfalt im deutschen Radio. Die zunehmende Konzentration auf internationale Mainstream-Hits und der Rückgang redaktioneller Inhalte gefährden die Sichtbarkeit und Förderung deutschsprachiger Musik. Der Bericht ruft Programmverantwortliche dazu auf, ihrer kulturellen Verantwortung gerecht zu werden und heimischer Musik wieder mehr Raum zu geben.

19.03.25 - Warum akkubetriebene Verstärker oft überflüssig sind – und Hersteller zu viel verlangen
In der Welt der mobilen Musikverstärkung wird oft suggeriert, dass ein akkubetriebener Verstärker unverzichtbar ist. Doch ein genauerer Blick auf die Preise, die technischen Alternativen und den tatsächlichen Bedarf zeigt: Hersteller verlangen oft unangemessen hohe Summen für Geräte, die sich mit einer tragbaren Powerstation problemlos ersetzen lassen.

Kostenfalle: Akkubetriebene Verstärker
Ein Beispiel ist ein akkubetriebener Verstärker mit 120 Watt Leistung und drei separaten Eingängen. Solche Geräte kosten häufig mehrere Hundert Euro, obwohl die integrierte Akkutechnologie oft veraltet oder leistungsschwach ist. Diese Verstärker sind häufig auf den internen Akku angewiesen, dessen Austausch teuer oder gar nicht vorgesehen ist.
Dabei sind viele dieser Verstärker nichts weiter als herkömmliche Geräte mit einer teuren Akkulösung. Die eigentliche Verstärkertechnik unterscheidet sich oft kaum von netzbetriebenen Varianten, aber die Preise steigen unverhältnismäßig an.

Günstigere und flexiblere Alternative: Tragbare Powerstations
Eine viel vielseitigere Lösung stellt eine tragbare Powerstation dar. Mit einer Kapazität von 299 Wh und einer Dauerleistung von 600 Watt (Spitze 1200 Watt) kann sie problemlos Verstärker, Mischpulte oder andere Bühnenausrüstung versorgen.

Vorteile einer Powerstation:
Mehr Vielseitigkeit: Neben Verstärkern können auch andere Geräte wie Laptops, Mikrofone oder Effektgeräte betrieben werden.
Höhere Kapazität: Mit bis zu 5-8 Stunden Betriebszeit bei 50-Watt-Verbrauch reicht eine Powerstation oft länger als integrierte Akkus.
Nachhaltigkeit: Akkus in Powerstations lassen sich einfacher ersetzen oder erweitern. LFP-Akkus halten bis zu 3500 (~10 Jahre) Ladezyklen.
Kosteneffizienz: Eine Powerstation kostet oft viel weniger (ab 150,- Euro) als ein spezialisierter akkubetriebener Verstärker, bietet aber erheblich mehr Funktionen (z.B. Camping).

Akkubetriebene Verstärker: Mehr Schein als Sein
Hersteller argumentieren oft mit der "Mobilität" ihrer akkubetriebenen Verstärker. Doch die Realität sieht anders aus: Die meisten dieser Geräte sind sperrig, schwer und haben eine begrenzte Akkulaufzeit. Zudem ist die Akkuleistung oft nicht ausreichend, um bei längeren Einsätzen eine konstante Leistung zu gewährleisten.
Im Gegensatz dazu bieten Powerstations nicht nur eine flexible Energieversorgung, sondern auch die Möglichkeit, mehrere Geräte gleichzeitig zu betreiben und dabei eine konstante Leistung zu liefern. Moderne Powerstations können mit Solarenergie innerhalb von zwei Stunden aufgeladen werden und ermöglichen so eine nahezu unbegrenzte Nutzung bei Outdoor-Auftritten.

Fazit: Überdenken lohnt sich
Wer sich einen akkubetriebenen Verstärker anschaffen möchte, sollte genau prüfen, ob nicht eine tragbare Powerstation die bessere Wahl ist. Hersteller von Musik-Equipment verlangen oft überhöhte Preise für Geräte mit begrenzter Leistung und veralteter Akkutechnologie. Eine Powerstation hingegen bietet mehr Flexibilität, bessere Laufzeiten und kann auch andere Geräte mit Energie versorgen.
Es ist Zeit, die Mythen um akkubetriebene Verstärker zu hinterfragen und stattdessen in vielseitigere und zukunftssichere Lösungen zu investieren.

22.02.25 - Tascam Portacapture X8: Mobiler Recorder mit 32-Bit-Float-Technologie
Mit dem Portacapture X8 präsentiert Tascam einen modernen mobilen Audiorecorder, der sich durch vielseitige Einsatzmöglichkeiten und innovative Technik auszeichnet. Mit zwei aufsteckbaren Mikrofonen, vier professionellen XLR-Inputs und sechs verschiedenen Aufnahmeprogrammen richtet sich der Recorder an Musiker, Podcaster, Field-Recorder und ASMR-Künstler. Besonders hervorzuheben ist die Unterstützung von 32-Bit-Float-Recording, mit der Tascam zu Herstellern wie Sound Devices und Zoom aufschließt.

Ein Blick in die Vergangenheit
Fast drei Jahrzehnte sind vergangen, seit ich mit einem Tascam 4-Spur-Portastudio meine ersten Aufnahmen auf Kassette gemacht habe. Das Laufwerk war stets hörbar, und das Zurückspulen dauerte gefühlt eine halbe Ewigkeit. Heute gibt es mit dem Tascam Portacapture X8 für einen ähnlichen Preis (inflationsbereinigt) ein voll digitales Aufnahmegerät, das mit einem 3,5-Zoll-Touchscreen ausgestattet ist. Das Design erinnert an ein dickes Smartphone mit XLR-Anschlüssen und Mikrofonkapseln.
Ein Feature vermisse ich allerdings: Overdubbing. Während mein altes Portastudio das Layern mehrerer Spuren ermöglichte, ist der Portacapture X8 ein linearer Recorder. Dennoch eignet er sich hervorragend für verschiedene Anwendungen, von Podcasts und Musikaufnahmen bis hin zu Field-Recording und ASMR.

Technische Details
Der Portacapture X8 verfügt über sechs Eingangskanäle, bestehend aus zwei mitgelieferten Kondensatormikrofonen und vier XLR/Line-Combo-Anschlüssen. Er kann sogar auf acht Kanälen aufnehmen: die sechs Eingänge plus interner Mix.

Unterstützte Formate:
PCM (44,1 / 48 / 96 / 192 kHz in 16 / 24 / 32 Bit Float)
MP3 (44,1 / 48 kHz, 128 - 320 kbps)

Eingänge und Vorverstärkung:
4 XLR-Combo-Buchsen mit bis zu 57 dB Gain
Eingangsimpedanz: 2,2 kOhm (Mic) / 9 kOhm (Line)
Maximale Eingangspegel: +2 dBu (Mic), +24 dBu (Line)
3,5 mm Stereo-Miniklinkeneingang mit +10 dBV Pegel
Die Mikrofonkapseln lassen sich in X/Y- oder Wide-Stereo-Position anbringen und werden über 3,5-mm-Klinkenbuchsen angeschlossen. Die symmetrischen Eingänge bieten einen Fremdspannungsabstand von bis zu 105 dB bei 192 kHz.

Ausgänge:
Line-Out (3,5 mm Klinke, +6 dBV)
Kopfhörer (3,5 mm Klinke, 2x 45 mW @ 32 Ohm)
Bedienung und Handling

Das Touchscreen-Interface ermöglicht eine intuitive Steuerung, wobei die Bedienung des runden Drehrads besser hätte integriert werden können. Der Launcher zeigt verschiedene Aufnahme-Modi als Apps:

ASMR-Recording
Voice Recording (Interviews, Vlogs, Mono-Mix)
Music Recording (Stereo mit Effekten)
Manual Recording (individuelle Einstellungen, 6 Tracks)
Field Recording (Low-Cut, Presets)
Podcast Recording (bis zu 4 Personen, Jingles, Soundeffekte)
Tuner, Metronom und Datei-Browser
Ein kleiner Kritikpunkt: Der Hi-Gain-Modus muss manuell aktiviert werden, wenn mehr als 35 dB Verstärkung benötigt wird – eine automatische Anpassung wäre wünschenswert.

Aufnahmequalität
Im Test mit einem Coles 4038-Bändchenmikrofon zeigte sich, dass die Preamps des Portacapture X8 deutlich weniger rauschen als die des Zoom H6. Auch die digitale Gain-Regelung ist ein Vorteil gegenüber mechanischen Potentiometern.

Stromversorgung:
4x AA-Batterien (Alkaline, NiMH, Lithium)
USB-C (PC, Netzteil, Powerbank)
Leistungsaufnahme: 7,5 Watt

Ein Manko: Im Lieferumfang fehlt eine SD-Karte, sodass keine sofortige Aufnahme möglich ist. Windschutz für die Mikrofone wäre ebenfalls wünschenswert.

Fazit
Der Tascam Portacapture X8 überzeugt mit flexibler Aufnahmequalität, einem gut bedienbaren Touchscreen und vielfältigen Anschlussmöglichkeiten. Kleinere Schwächen, wie die manuelle Gain-Umschaltung und fehlender Overdub-Modus, trüben das Gesamtbild nur geringfügig.
Mit einem Preis von rund 500 Euro ist der Portacapture X8 eine starke Konkurrenz für den Zoom H6 und eine budgetfreundlichere Alternative zu Sound Devices. Wer einen modernen, vielseitigen Recorder sucht, findet hier eine leistungsstarke Lösung.

15.01.25 - 100 Jahre elektrische Gitarre: Die Revolution eines Klangs
Die Geschichte der elektrischen Gitarre ist ein faszinierender Spiegel technischer Innovation und kultureller Umwälzungen. In den 1920er Jahren begann ein Wettlauf um die Perfektionierung eines Instruments, das den Sound der modernen Musik revolutionieren sollte. Der Texaner George D. Beauchamp setzte auf die Verstärkung von Stahlsaiten mithilfe elektromagnetischer Tonabnehmer – ein Ansatz, der die Grundlage für die ersten serienmäßig produzierten elektrischen Gitarren legte. Zusammen mit Adolph Rickenbacker und Paul Barth entwickelte er die sogenannte „Bratpfanne“, eine Lap-Steel-Gitarre mit einem kreisrunden Aluminiumkorpus.
Die Innovationen dieser frühen Jahre ebneten den Weg für legendäre Marken wie Gibson und Fender. Musiker wie Charlie Christian zeigten mit der Gibson ES-150, welches kreative Potenzial in der elektrischen Gitarre steckte, während Leo Fender mit der Telecaster und Stratocaster Modelle schuf, die bis heute Maßstäbe setzen. Der massive Korpus dieser Instrumente löste Probleme wie Rückkopplungen und machte sie robuster und wartungsfreundlicher. Parallel dazu experimentierten Pioniere wie Les Paul mit dem Konzept des Solidbody-Korpus, was schließlich in der ikonischen Gibson Les Paul mündete.
Nicht nur in den USA, sondern auch in Europa und der Karibik wurden elektrische Gitarren vorangetrieben. Der Jamaikaner Hedley Jones baute in den 1940er Jahren eigene Modelle, während der deutsche Instrumentenbauer Wenzel Rossmeisl und sein Sohn Roger in Deutschland und später in den USA die Entwicklung prägten. Mit der Verbreitung der Rockmusik in den 1950er Jahren wurde die elektrische Gitarre zum Symbol einer neuen Ära. Künstler wie die Beatles und Jimi Hendrix brachten sie in den Mainstream und verliehen ihr ikonischen Status.
Heute ist die elektrische Gitarre mehr als ein Musikinstrument – sie ist ein Symbol für künstlerische Freiheit und technische Meisterleistung, deren Klang und Form die moderne Musiklandschaft geprägt haben.

16.12.24 - Vogtland: Tradition trifft Innovation
Das Vogtland wird oft als "Musikwinkel Deutschlands" bezeichnet und ist seit mehr als drei Jahrhunderten ein bedeutendes Zentrum des Musikinstrumentenbaus. Die Region prägt bis heute die Herstellung von Streich- und Zupfinstrumenten sowie von Holz- und Blechblasinstrumenten. Historische Marken wie Schreiber, Riedl oder Musima entstanden hier und genießen international einen exzellenten Ruf. Dieser Erfolg basiert auf dem über Generationen hinweg weitergegebenen Wissen und den handwerklichen Traditionen, die das Vogtland auszeichnen.
In der heutigen Zeit hat das Vogtland diese traditionsreiche Basis mit innovativer Technologie kombiniert. Der Fokus liegt nicht mehr nur auf Musikinstrumenten, sondern auch auf Spitzentechnologien. So ist die Region ein Teil von „Silicon Saxony“, dem europäischen Spitzencluster für Mikro- und Nanoelektronik sowie Softwareentwicklung. Besonders hervorzuheben ist der Einfluss des Vogtlands auf die Raumfahrttechnologie: Bereits während des „Space Race“ in den 1960er Jahren leisteten lokale Unternehmen essenzielle Beiträge zur Satellitentechnologie. Heute beschäftigen Unternehmen im Silicon Saxony fast 100.000 Fachkräfte und treiben Entwicklungen in den Bereichen Kommunikation und KI voran.
Ein Beispiel für die gelungene Verbindung von Tradition und Innovation ist das Unternehmen GEWA music. Ursprünglich 1925 von Georg Walther in Adorf gegründet, spezialisierte sich GEWA auf den Bau und den Vertrieb handgefertigter Streichinstrumente und passender Etuis. Nach dem Zweiten Weltkrieg musste das Unternehmen nach Mittenwald in Bayern umziehen, kehrte aber nach der Wiedervereinigung in das Vogtland zurück. Heute produziert GEWA sowohl Einsteigerinstrumente in Asien als auch hochwertige Premiumprodukte wie digitale Pianos und Schlagzeuge im Vogtland.
Mit einer konsequenten Weitergabe von Wissen und der Nutzung modernster Technologien setzt GEWA Maßstäbe im Instrumentenbau. Die Verwendung nachhaltiger Materialien und die Einhaltung höchster Umwelt- und Sozialstandards unterstreichen dabei das Engagement des Unternehmens.
Das Vogtland zeigt eindrucksvoll, wie eine Region ihre traditionellen Stärken bewahren und gleichzeitig in zukunftsweisende Felder expandieren kann. Mit einer Mischung aus historischem Handwerk und hochmoderner Technologie bleibt das Vogtland ein inspirierender Ort für Innovation und Kreativität.

22.11.24 - Thomastik-Infeld: Ein Jahrhundert Saitenkunst aus Wien
Thomastik-Infeld, ein führender Saitenhersteller mit Sitz in Wien, Österreich, entwickelt und produziert seit über einem Jahrhundert Saiten und Kolophonium für Streich- und Zupfinstrumente. Zu den Instrumenten, die von den hochwertigen Produkten der Firma profitieren, gehören Violine, Viola, Cello, Kontrabass sowie Gitarre und Bassgitarre.
Das Unternehmen ist besonders bekannt für die „Dominant“-Saiten, eine der frühesten Marken synthetischer Perlonsaiten, die heute als Standardmaßstab für andere synthetische Saitensätze gilt. Darüber hinaus bietet Thomastik-Infeld eine breite Palette weiterer Marken an, darunter Vision, Spirocore, Versum, Superflexible, Belcanto, Infeld (Red und Blue), Präzision, Alphayue, Peter Infeld, Dominant Pro und zuletzt Dynamo. Viele renommierte Musiker, darunter Itzhak Perlman, Hilary Hahn und Isaac Stern, haben in ihrer Karriere auf Thomastik-Infeld-Saiten zurückgegriffen.

Historischer Hintergrund
Das Unternehmen wurde 1919 von Dr. Franz Thomastik, einem Geigenbauer, und Otto Infeld, einem Bauingenieur, gegründet. Von Anfang an konzentrierten sie sich auf die Herstellung von Stahlsaiten. Trotz der Zerstörung ihrer Werkstätten im Zweiten Weltkrieg konnte sich Thomastik-Infeld wieder etablieren und in den folgenden Jahrzehnten eine Vorreiterrolle einnehmen.
Ein Wendepunkt war die Einführung der Dominant-Saiten im Jahr 1970. Zu dieser Zeit boten die traditionellen Darmsaiten ernsthafte Konkurrenz, doch die Einführung von Perlonsaiten durch Thomastik-Infeld führte zu einer Revolution in der Musikwelt.
Nach dem Tod von Peter Infeld, der das Unternehmen von 1994 bis zu seinem Tod 2009 leitete, übernahm Zdenka Infeld die Führung. Unter ihrer Leitung hat Thomastik-Infeld weiterhin Innovationen vorangetrieben und neue Maßstäbe gesetzt.

Moderne Entwicklungen
2019 feierte Thomastik-Infeld sein 100-jähriges Bestehen und startete die Plattform Stringtelligence.com, die Musiker mit wertvollen Informationen über Saiten unterstützt. Die Dominant Pro-Saiten kamen 2021 auf den Markt und erweiterten die bestehende Produktpalette für professionelle Musiker. 2023 folgte die Einführung der Dynamo-Saiten, begleitet von einer innovativen Kampagne in Zusammenarbeit mit Tonic, bei der Musiker Saitensätze durch eine Praxis-Challenge gewinnen konnten.
Thomastik-Infeld steht auch heute für höchste Qualität und Innovation in der Saitenherstellung und hat sich als unverzichtbarer Partner für Musiker auf der ganzen Welt etabliert.

01.10.24 - Miles In France – Miles Davis Quintet 1963/64: The Bootleg Series, Vol. 8 erscheint im November
Das mit Spannung erwartete Miles Davis Quintet 1963/64: The Bootleg Series, Vol. 8 wird diesen November veröffentlicht. Diese Sammlung bietet einen faszinierenden Einblick in die legendären Auftritte des Trompeters Miles Davis und seines Quintetts in Frankreich während dieser Ära.
Die Aufnahmen aus den Jahren 1963 und 1964 fangen die unvergleichliche Dynamik und Kreativität von Davis und seinen herausragenden Bandmitgliedern ein, darunter Herbie Hancock (Klavier), Ron Carter (Bass), Tony Williams (Schlagzeug) und George Coleman (Saxophon). Dies war eine Zeit des intensiven künstlerischen Wachstums, in der das Quintett auf europäischen Bühnen brillierte und dabei den Weg für die nächste Phase in der Jazzgeschichte ebnete.
Die Aufnahmen zeigen eine außergewöhnliche Phase in Miles Davis’ Karriere, als er begann, mit neuen Klängen und Strukturen zu experimentieren, die schließlich in der Fusion-Ära gipfelten. Diese Zeit markierte einen Übergang von der traditionellen Jazzästhetik hin zu einer experimentelleren und freien Form des Ausdrucks.
Das Box-Set wird nicht nur die Originalaufnahmen enthalten, sondern auch zuvor unveröffentlichte Performances und Raritäten, die das Herz eines jeden Jazzliebhabers höherschlagen lassen. Mit der Veröffentlichung dieser Compilation wird das Erbe von Miles Davis weiter gewürdigt und die Bedeutung seines musikalischen Einflusses auf die Jazzwelt erneut unterstrichen.
Miles In France – The Bootleg Series, Vol. 8 wird eine aufregende Ergänzung der bisherigen Bootleg-Reihe sein und bietet sowohl eingefleischten Fans als auch neuen Hörern die Möglichkeit, in die wegweisenden Auftritte von Miles Davis in Frankreich einzutauchen.
Der offizielle Erscheinungstermin ist für den November 2024 geplant, und das Set wird sowohl in physischen als auch digitalen Formaten erhältlich sein.

16.09.24 - Vergiss AirPods – der Lautsprecher der Apple Watch Series 10 kann endlich Musik abspielen
Mit der Apple Watch Series 10 geht Apple einen Schritt weiter und bietet erstmals die Möglichkeit, Musik direkt über den eingebauten Lautsprecher der Smartwatch abzuspielen. Diese Neuerung könnte dazu führen, dass AirPods und andere Bluetooth-Kopfhörer in bestimmten Situationen überflüssig werden.
Während des Glowtime-Apple-Events 2024 kündigte Apple an, dass die Lautsprecher der neuen Apple Watch komplett überarbeitet wurden, um endlich eure Lieblingsmusik und Podcasts direkt wiedergeben zu können. Dies bietet eine praktische Alternative, wenn die AirPods einmal leer sind oder man sein iPhone zu Hause vergessen hat und nicht auf dessen Lautsprecher zurückgreifen kann.
Die Apple Watch hatte zwar schon in früheren Modellen Lautsprecher, die für Benachrichtigungen, Anrufe und Sprachnachrichten genutzt wurden, und Musik konnte über verbundene AirPods abgespielt werden. Doch die Series 10 ist die erste Generation, bei der die Smartwatch selbst Musik direkt von Diensten wie Apple Music und anderen beliebten Musik-Streaming-Plattformen wiedergeben kann, ohne dass ein externes Gerät erforderlich ist.
Zwar konnten wir diese Funktion noch nicht selbst testen, doch erwarten wir nicht, dass die relativ kleinen Lautsprecher der Apple Watch mit der Audioqualität der besten In-Ear-Kopfhörer mithalten können. Dennoch ist dies eine nützliche Option, wenn man keinen anderen Zugang zu Musik hat. Sie sollte eher als Backup dienen, als als primäre Lösung für das Musikhören.
Für viele Nutzer bedeutet diese Funktion mehr Flexibilität. Beim Sport oder bei kurzen Spaziergängen könnte es praktischer sein, die Musik direkt über die Apple Watch abzuspielen, anstatt AirPods mitzunehmen. Natürlich wird der Klang nicht die gleiche Qualität wie über Kopfhörer bieten, aber für Gelegenheiten, bei denen keine perfekte Soundqualität nötig ist, reicht diese Funktion vollkommen aus.
Zusätzlich zu den verbesserten Lautsprechern bietet die Series 10 auch weitere Neuerungen, wie ein größeres Display, eine verbesserte Akkulaufzeit und aktualisierte Gesundheitsfunktionen. Die Möglichkeit, Musik direkt über die Uhr abzuspielen, ist jedoch ein besonderes Highlight, das die Nutzererfahrung deutlich verändern könnte.

14.08.24 - Hannabach Gitarrensaiten: Eine Tradition von über 150 Jahren meisterhafter Handwerkskunst
Hannabach ist ein renommierter Hersteller von Gitarrensaiten, dessen Wurzeln tief in der Geschichte der Musikinstrumentenherstellung verankert sind. Mit über 150 Jahren Erfahrung in der Saitenherstellung steht Hannabach für Handwerkskunst, Qualität und Tradition. Ihre Saiten sind bei professionellen Musikern und Liebhabern weltweit gleichermaßen beliebt.

Die Anfänge: Wurzeln im Erzgebirge
Die Geschichte von Hannabach begann im idyllischen Ort Luby, früher bekannt als Schönbach/Eger, am Fuße des Erzgebirges. Diese Region ist als „Wiege“ der böhmischen und deutschen Musikinstrumentenherstellung bekannt, da das milde Klima und die Schutzfunktion der Berge ideale Bedingungen für den Anbau von Fichten- und Ahornbäumen boten. Diese Hölzer eigneten sich hervorragend als Rohmaterial für Zupf- und andere Saiteninstrumente, was die Region berühmt für ihre Kunst der Gitarren- und Geigenherstellung machte.
Im Jahr 1869 gründete Anton Hannabach die „Anton Hannabach, Musikinstrumenten- und Saitenfabrikation“ in Eger/Böhmen. Neben dem Handel mit Instrumenten begann er auch mit der handwerklichen Herstellung von hochwertigen Musiksaiten. Sein Sohn Karl Hannabach übernahm 1910 den Familienbetrieb und setzte die Tradition fort. Karl hatte zwei Söhne, Arthur und Adolf, die ebenfalls in die Fußstapfen ihrer Vorfahren traten und das Unternehmen nach dem Zweiten Weltkrieg in Bayern neu aufbauten.
Nach dem Krieg ließ sich die Familie Hannabach in Bayern nieder. Arthur zog nach Bubenreuth, wo er sich auf den Gitarrenbau spezialisierte, während Adolf nach Egglkofen zog und zusammen mit seiner Frau Elisabeth und Sohn Werner die Saitenherstellung fortsetzte. Der Betrieb wurde von Grund auf neu aufgebaut, und trotz bescheidener Anfänge wuchs das Unternehmen schnell. 1956 erwarb die Familie ein Grundstück am Sonnenweg, wo sich noch heute der Firmensitz befindet.

Eine neue Generation führt die Tradition fort
1962 trat Werner Hannabach in das Unternehmen ein und führte die Tradition mit Unterstützung seiner Frau Maridi weiter. Ihre Söhne Uwe und Jörg kamen schon in jungen Jahren in Kontakt mit dem Familienunternehmen. Uwe trat 1991 in die Firma ein und wurde 1995 zum leitenden Geschäftsführer ernannt. Jörg hingegen entschied sich für eine professionelle Musikerkarriere.

Produkte und Innovationen
Hannabach bietet eine breite Palette von Gitarrensaiten an, die auf die unterschiedlichen Bedürfnisse von Musikern zugeschnitten sind. Zu den bekanntesten Produkten zählen die 815er Silver Special und die 827er Flamenco Saiten, die für ihre hervorragende Klangqualität und Langlebigkeit geschätzt werden. Die Innovationen von Hannabach umfassen die Verwendung von speziellen Materialien wie Nylon und versilbertem Kupfer, die den Saiten eine besondere Klangfarbe und Haltbarkeit verleihen.

Weiterführung der Tradition
Die Hannabach-Familientradition ist tief in der Firma verwurzelt. Werner Hannabach ist noch immer aktiv im Tagesgeschäft tätig und bringt seine jahrzehntelange Erfahrung in die Produktentwicklung und Prozessoptimierung ein. Dies garantiert die Fortführung und Beständigkeit dieser hervorragenden Saiten im Zeichen des Hannabach-Erbes.

Hannabach Gitarrensaiten sind mehr als nur ein Zubehörteil für klassische Gitarristen – sie sind ein integraler Bestandteil des Instruments und tragen wesentlich zum Klang und zur Spielbarkeit bei. Mit einer langen Tradition und einem unermüdlichen Streben nach Perfektion hat sich Hannabach als eine der führenden Marken in der Welt der klassischen Gitarre etabliert. Für Gitarristen, die höchste Ansprüche an ihre Saiten stellen, sind Hannabach Saiten eine ausgezeichnete Wahl.

23.07.24 - Wachstum des globalen E-Gitarrenmarktes: Trends, Herausforderungen und Zukunftsaussichten
Der globale Markt für E-Gitarren wird laut Technavio von 2024 bis 2028 voraussichtlich um 1,45 Milliarden USD wachsen, mit einer jährlichen Wachstumsrate (CAGR) von 10,43%. Das Marktwachstum wird durch die steigende Nachfrage nach musikbezogenen Freizeitaktivitäten und den Trend zum Online-Handel angetrieben. Allerdings stellt die zunehmende Verbreitung virtueller Musikinstrumente und Musikproduktionssoftware eine Herausforderung dar. Zu den wichtigen Marktakteuren gehören CorTek Corp., Dean Guitars, Farida, Fender Musical Instruments Corp., Gibson Brands Inc., und Yamaha Corp.
Der Online-Handel von Musikinstrumenten wächst aufgrund der verbesserten Sichtbarkeit und Reichweite schneller als der traditionelle Handel. Faktoren wie zunehmende Internetnutzung, mobile Geräte und das Bewusstsein für Online-Plattformen fördern diesen Trend. Vorteile wie sichere Transaktionen, vielfältige Zahlungsmethoden, einfache Rückgaben und 24/7-Einkaufsmöglichkeiten stärken den Online-Verkauf. Plattformen wie Amazon.com erhöhen die Nachfrage, da Verbraucher bequem von zu Hause aus bestellen können.
Besonders bei Millennials und Jugendlichen ist die Nachfrage nach E-Gitarren hoch. Live-Konzerte und Musikfestivals fördern die Nachfrage nach Solidbody-E-Gitarren. Musikunterricht und Schulprogramme integrieren zunehmend digitale Musiktools. Online-Plattformen und Internetzugang erleichtern den Zugang zu digitaler Notenmusik und cloudbasierten Systemen. Nachhaltigkeit und umweltfreundliche Praktiken stehen bei Herstellern im Fokus. Das Marktsegment für Zubehör wie Verstärker und Effektpedale wächst ebenfalls stark.
Die Verbreitung von Musikproduktionssoftware und virtuellen Musikinstrumenten stellt eine Herausforderung für den E-Gitarrenmarkt dar. Insbesondere in entwickelten Ländern wie den USA und Deutschland bevorzugen Komponisten zunehmend Softwarelösungen wegen ihrer Mobilität und Bequemlichkeit. Apple Inc. bietet mit GarageBand eine beliebte Musiksoftware an, die eine umfassende Klangbibliothek und Instrumenten-Presets umfasst. Der Anstieg des Verkaufs von Mobilgeräten und Laptops fördert die Beliebtheit von Musikproduktionssoftware weiter.
Zusammenfassend wächst der Markt für E-Gitarren dank der Beliebtheit bei Musikern und Musikliebhabern. Hersteller und Einzelhändler bieten eine Vielzahl von Modellen an, die unterschiedliche Budgets und Vorlieben bedienen. Technologische Fortschritte und innovative Designs erweitern die Attraktivität der Instrumente. Nachhaltigkeit und digitale Integration spielen eine zunehmende Rolle. Der Markt profitiert vom wachsenden globalen Musikinteresse und der steigenden Nachfrage nach E-Gitarren, die eine Mischung aus Tradition und Innovation bieten.

02.06.24 - Snow Patrol kündigt erstes neues Album seit sechs Jahren an: "The Forest Is the Path"
Fans von Snow Patrol aufgepasst! Die nordirische Band meldet sich mit ihrem ersten neuen Album seit sechs Jahren zurück. Der Nachfolger von "Wildness" aus dem Jahr 2018 trägt den Titel "The Forest Is the Path" und soll im kommenden Herbst erscheinen. Veröffentlicht wird es bei Polydor Records.
Details zum Album sind bislang noch rar. Es ist jedoch davon auszugehen, dass die Band auch auf ihrem neuen Werk ihrem charakteristischen Sound treu bleibt, der Elemente von Alternative Rock und Post-Britpop miteinander verbindet. Mit ihren emotionalen Balladen und energiegeladenen Rocknummern konnte Snow Patrol in den vergangenen Jahrzehnten weltweit Erfolge feiern.
Ob es im Zuge des neuen Albums auch eine Tour geben wird, ist bislang noch nicht bekannt. Freuen können sich Fans der Band aber auf jeden Fall auf neue Musik im Herbst!

Snow Patrol: Eine Erfolgsgeschichte im Alternative Rock

Snow Patrol ist eine nordirische Band, die 1994 in Dundee, Schottland, gegründet wurde. Die Band hat sich mit ihrem emotionalen und energiegeladenen Alternative Rock und Post-Britpop einen Namen gemacht und zählt zu den erfolgreichsten Bands der 2000er Jahre.
Snow Patrols Musik zeichnet sich durch emotionale Balladen, energiegeladene Rocknummern und die markante Stimme von Sänger Gary Lightbody aus. Ihre größten Hits sind "Chasing Cars", "Run", "Shut Up and Kiss Me" und "The Reason", die ihnen weltweit über 20 Millionen Albumverkäufe bescherten.

Auszeichnungen und Alben:
Snow Patrol wurden für ihre Musik mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter Brit Awards, MTV Europe Music Awards und Q Awards.

Die Band hat bisher acht Studioalben veröffentlicht:

Songs for Polarbears (1998)
When It's All Over We'll Still Be Here (2001)
Final Straw (2004)
Eyes Open (2006)
Fallen Empires (2008)
Strangers (2011)
Wildness (2018)
The Forest Is the Path (2024)

Aktuelle Informationen:
Das neueste Album "The Forest Is the Path" erschien im Herbst 2024. Snow Patrol ist bekannt für ihre leidenschaftlichen Live-Auftritte und engagiert sich für verschiedene soziale und Projekte.

21.05.24 - Voice-Swap und BMAT starten neue technische Zertifizierung für KI-Modelle
Die Unternehmen Voice-Swap und BMAT haben eine wegweisende technische Zertifizierung für KI-Modelle im Musikbereich eingeführt. Diese innovative Zertifizierung ermöglicht es, zu überprüfen, ob ein KI-Musikmodell auf ethisch bezogenen Datensätzen trainiert wurde oder nicht.
Angesichts der zunehmenden Nutzung von KI in der Musikbranche ist es von entscheidender Bedeutung, sicherzustellen, dass KI-Modelle auf verantwortungsvolle und ethische Weise entwickelt und trainiert werden. Die neue Zertifizierung von Voice-Swap und BMAT ist ein wichtiger Schritt in diese Richtung und soll dazu beitragen, das Vertrauen in KI-Technologien im Musikbereich zu stärken.
Durch die Zertifizierung wird es möglich sein, die Herkunft der Trainingsdaten eines KI-Modells zu überprüfen und sicherzustellen, dass sie ethischen Standards entsprechen. Dies ist besonders wichtig, da die Nutzung von unethisch beschafften Daten nicht nur rechtliche, sondern auch moralische Fragen aufwerfen kann.
Die Einführung dieser neuen Zertifizierung zeigt das Engagement von Voice-Swap und BMAT für ethische Standards und verantwortungsvolle KI-Nutzung im Musikbereich. Indem sie Transparenz und Nachverfolgbarkeit fördern, tragen sie dazu bei, das Vertrauen der Öffentlichkeit in KI-Technologien zu stärken und einen positiven Einfluss auf die Entwicklung der Musikbranche zu haben.
Die neue technische Zertifizierung von Voice-Swap und BMAT ist ein wichtiger Schritt hin zu einer verantwortungsvollen Nutzung von KI im Musikbereich. Sie zeigt, dass es möglich ist, ethische Standards zu definieren und umzusetzen, um sicherzustellen, dass KI-Technologien zum Wohl der Gesellschaft eingesetzt werden.

Die technische Zertifizierung von Voice-Swap und BMAT basiert auf einer Reihe fortschrittlicher Techniken und Methoden, die entwickelt wurden, um die Herkunft von Trainingsdaten für KI-Modelle zu überprüfen und ethische Standards sicherzustellen.

Datenverifikation:
Die Zertifizierung verwendet fortschrittliche Algorithmen und Techniken zur Überprüfung der Herkunft von Trainingsdaten. Dies kann beinhalten, die Datenbanken zu durchsuchen, aus denen die Trainingsdaten stammen, und sicherzustellen, dass sie ethisch bezogen und frei von rechtlichen oder moralischen Bedenken sind.

Transparenz und Nachverfolgbarkeit:
Die Zertifizierung gewährleistet Transparenz und Nachverfolgbarkeit im Trainingsprozess von KI-Modellen. Dies bedeutet, dass Entwickler und Benutzer eines KI-Modells in der Lage sind, den gesamten Prozess der Datenerfassung, -verarbeitung und -nutzung nachzuvollziehen.

Ethikrichtlinien:
Die Zertifizierung basiert auf klaren Ethikrichtlinien, die sicherstellen, dass die Datenerfassung und -nutzung im Einklang mit ethischen Standards erfolgt. Diese Richtlinien können Aspekte wie Datenschutz, Diskriminierungsfreiheit und Respekt für die Privatsphäre umfassen.

Auditierungsverfahren:
Die Zertifizierung umfasst auch Auditierungsverfahren, um sicherzustellen, dass KI-Modelle regelmäßig auf die Einhaltung ethischer Standards überprüft werden. Dies kann die Durchführung von Stichprobenprüfungen, regelmäßige Audits und die Einbindung unabhängiger Prüfer umfassen.

Durch die Kombination dieser Techniken und Methoden ermöglicht die technische Zertifizierung von Voice-Swap und BMAT eine umfassende Überprüfung der Ethik und Herkunft von Trainingsdaten für KI-Modelle im Musikbereich. Dies trägt dazu bei, das Vertrauen in KI-Technologien zu stärken und sicherzustellen, dass sie verantwortungsvoll und ethisch eingesetzt werden.

10.04.24 - Pat Metheny kündigt neues Solo-Gitarrenalbum MoonDial für Juli-Veröffentlichung an
Der legendäre amerikanische Gitarrist und Komponist Pat Metheny kündigte heute (27. März) die Veröffentlichung seines neuen Albums "MoonDial" bei BMG am 26. Juli an. "MoonDial" ist ein rein solo eingespieltes Gitarrenalbum ohne Overdubs, aufgenommen auf einer maßgefertigten Nylon-Saiten-Bariton-Gitarre, die von der renommierten Gitarrenbauerin Linda Manzer für ihn hergestellt wurde.
Metheny erklärt, dass "MoonDial" sich von allem unterscheidet, was er zuvor gemacht hat, da das Album während einer laufenden Tournee konzipiert, aufgenommen und veröffentlicht wurde. Der Gitarrist entwickelte ein spezielles Stimmungssystem, das mit herkömmlichen Nylon-Saiten nicht zu erreichen war, "ohne zu reißen oder wie eine Banjo zu klingen", wie Metheny sagt. Seine Entdeckung im letzten Herbst einer neuen Art von Saiten aus Argentinien, die dieser Aufgabe gewachsen waren, eröffnete die Welt der Möglichkeiten, die auf "MoonDial" zu hören sind.
"Die Tour im letzten Herbst repräsentierte nicht nur den Klang und die Stimmung der Veröffentlichung von Dream Box, sondern war für mich wirklich eine Gelegenheit, all die anderen Möglichkeiten zu betrachten, wie ich über die Jahre hinweg Soloauftritte gemacht und Aufnahmen veröffentlicht habe", sagt Metheny über das neue Album. "Jede dieser Soloaufnahmen, und auch Dream Box, sind anders. Die Idee für mich ist es, weiterhin verschiedene Blickwinkel und Denkweisen über Musik zu entwickeln, während hoffentlich eine grundlegende Ästhetik in all dem wirkt. Mit anderen Worten, die Forschung fortzusetzen. [Auf meiner letzten Tour] habe ich dieses neue Instrument und diesen neuen Sound eingeführt. Anfangs war es nur ein Stück. Dann zwei. Am Ende der Tour konnte die neue Nylon-Saiten-Bariton-Gitarre 20 oder 25 Minuten des gesamten Konzerts ausmachen."
Das Album ist ab sofort als Vorbestellung auf CD, Vinyl und in digitalen Formaten erhältlich. Die Auswahl des Repertoires auf "MoonDial" ähnelt dem, was Metheny auf "One Quiet Night" und "What's It All About" aufgenommen hat: eine Kombination aus Originalstücken, die von dem neuen Instrument inspiriert sind, und Standards, für die es perfekt geeignet ist. Chick Coreas "You're Everything" steht neben Lennon und McCartneys "Here, There and Everywhere" und den Matt Dennis-Standards "Angel Eyes" und "Everything Happens to Me" (kombiniert mit Bernsteins "Somewhere"). Auch David Raskins "My Love and I", geschrieben für den Burt Lancaster-Western Apache, und die traditionelle "Londonderry Air" werden interpretiert. Viele von Methenys Originalen wurden während der Dream Box-Tour im letzten Herbst geschrieben, während er die Möglichkeiten des neuen Setups erkundete, aber er besann sich auch auf sein eigenes Stück "This Belongs to You", das er 2012 mit seiner Unity Band aufnahm. Das gesamte Material teilt eine Stimmung, die Metheny als "intensive Kontemplation" bezeichnet, wobei das Instrument selbst im Mittelpunkt steht.

02.03.24 - Brad Mehldau kehrt mit Doppelalbum zurück: After Bach II und Après Fauré
Der angesehene US-amerikanische Pianist Brad Mehldau kehrt mit zwei neuen Alben zurück: After Bach II und Après Fauré. Beide werden am 10. Mai über das Nonesuch-Label veröffentlicht und präsentieren Mehldaus neue originale Kompositionen sowie Interpretationen von Werken von Bach und Fauré, die ihn inspiriert haben. Das Bach-Album enthält vier Präludien und eine Fuge aus dem Wohltemperierten Klavier sowie die 'Allemande' aus der vierten 'Partita', ergänzt durch sieben Kompositionen oder Improvisationen von Mehldau, die von Bachs Werken inspiriert sind – darunter auch Mehldaus Variationen über Bachs Goldberg-Thema. Auf After Fauré spielt Mehldau vier Nocturnes aus einer siebenunddreißigjährigen Spanne von Gabriel Faurés Karriere sowie eine Reduktion eines Ausschnitts aus dem Adagio-Satz seines Klavierquartetts in g-Moll. Mehldaus vier von Fauré inspirierte Kompositionen werden hier als Gruppe präsentiert, eingebettet zwischen zwei Abschnitten mit Werken des französischen Komponisten.
Die Tracks "Between Bach" von Mehldau und "Fuge Nr. 20 in a-Moll" von Bach sind ab heute verfügbar, ebenso wie Mehldaus "Après Fauré: Prelude" von Après Fauré, inklusive einer musikalischen Transkription. In seinen Liner Notes spricht Mehldau über die "Universalität" von Bachs Musik: "Je mehr man sich mit ihm beschäftigt, desto deutlicher wird die eigene Persönlichkeit sichtbar, unvermeidlich. Du spielst nicht Bach - Bach spielt dich, im Sinne dessen, dass er dich entblößt... Die größte Wahl, die du zu jeder Zeit triffst, ergibt sich nicht aus einer Abwesenheit, sondern aus dem, was da ist, in seiner Gesamtheit. Speziell ist es die ständige Wahl, die du in der Verhandlung zwischen Harmonie und Melodie triffst."
Er erklärt weiter: "Das ist der Grund, warum Bach für mich als Jazzmusiker ein Vorbild ist. In meinen improvisierten Soli möchte ich melodische Phrasen machen, die harmonische Implikationen tragen, und Harmonien schaffen, die sich melodisch bewegen. Das ist ein entscheidender Bestandteil beim Geschichtenerzählen." After Bach II folgt auf das Album After Bach von 2018, das aus einem Werk entstand, das Mehldau erstmals 2015 aufführte - in Auftrag gegeben von der Carnegie Hall, dem Royal Conservatory of Music, der National Concert Hall und der Wigmore Hall - genannt Three Pieces After Bach. Zwei von Mehldaus Kompositionen aus diesem Programm wurden auf dem Album After Bach präsentiert; sein virtuoses drittes Stück ist auf After Bach II enthalten.
In seinen Anmerkungen zum Album Après Fauré sagt Mehldau: "Wenn das Erhabene unsere Sterblichkeit vorausahnt, könnte diese Musik die Strenge des Todes vermitteln - Faurés, als er sich ihm näherte, aber auch die Besorgnis um unsere eigene. Wir finden schließlich eine Verwandtschaft mit dem Komponisten in Form einer Frage, die er in die Zukunft geworfen hat, an uns. Ich habe vier Stücke komponiert, um Faurés Musik hier zu begleiten, um zu teilen, wie ich mich mit Faurés Frage auseinandergesetzt habe, mit Ihnen, dem Hörer."
"Dieses Format ähnelt meinem After Bach-Projekt," fährt er fort. "Die Verbindungen sind weniger offensichtlich, aber Faurés harmonischer Abdruck ist bei allen vier Stücken vorhanden. Es gibt auch einen texturalen Einfluss, was die Art und Weise betrifft, wie er sein musikalisches Material pianistisch präsentierte - er nutzte die Klangfarbe des Instruments meisterhaft als Ausdrucksmittel. So ist es beispielsweise in meinem ersten 'Prelude' möglich, die anfängliche harmonische Annäherung in der Öffnung von Faurés Nr. 12 zu hören."
Brad Mehldaus Nonesuch-Debüt war die Solo-CD Live in Tokyo von 2004. Seine anschließenden neunzehn Veröffentlichungen auf dem Label umfassen sechs Alben mit seinem Trio sowie Kollaborations- und Soloalben. Zu seinen neuesten Veröffentlichungen gehören ein Soloalbum, das er während des COVID-19-Lockdowns aufgenommen hat, Suite: April 2020; Jacob's Ladder (2022), das Musik präsentiert, die über Schrift und die Suche nach Gott durch Musik reflektiert und von dem Prog-Rock inspiriert ist, den Mehldau als junger Heranwachsender liebte; und Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles (2023), ein Live-Soloalbum mit Interpretationen von neun Songs von John Lennon und Paul McCartney sowie einem von George Harrison. Mehldaus Memoiren, Formation: Building a Personal Canon, Part I, wurden ebenfalls 2023 veröffentlicht und bieten einen seltenen Einblick in das Denken eines Künstlers auf dem Höhepunkt seines Schaffens, in seinen eigenen Worten.

12.02.24 - Alice Coltrane's Historisches Carnegie Hall Konzert von 1971 auf Impulse! Records
Die bisher unveröffentlichte Aufnahme des historischen Auftritts von Alice Coltrane aus dem Jahr 1971 in der Carnegie Hall steht kurz vor ihrer Veröffentlichung auf Impulse! Records. Die Aufnahme stammt von einem besonderen Gala-Event zugunsten des Integral Yoga Institute und zeigt Coltrane zusammen mit einer hochkarätigen Gruppe von Musikern. Dies wird das erste Mal sein, dass die Aufnahme in voller Länge veröffentlicht wird.
Das Konzert fand vier Jahre nach dem tragischen Tod ihres Ehemanns John Coltrane statt und markierte Alice' ersten Auftritt als Bandleaderin in der Carnegie Hall. Es fiel in eine entscheidende Phase sowohl in Coltranes Karriere als auch in ihrer spirituellen Reise: Sie hatte gerade ihr viertes Soloalbum, "Journey in Satchidananda", veröffentlicht und ihre spirituelle Suche während einer fünfwöchigen Reise nach Indien vertieft. Ihre Band an diesem Abend umfasste zwei Mitglieder aus Satchidanandas Kreis - Kumar Kramer und Tulsi Reynolds, die Harmonium und Tambura spielten - sowie eine große Jazz-Ensemble mit zwei Saxophonisten, Pharoah Sanders und Archie Shepp, zwei Bassisten, Jimmy Garrison und Cecil McBee, und zwei Schlagzeugern, Ed Blackwell und Clifford Jarvis.
Das Repertoire bestand aus zwei transzendentalen Stücken von "Journey in Satchidananda", gefolgt von zwei Kompositionen von John Coltrane und diente als Vorzeichen für das, was kommen sollte - eine Chronik einer Künstlerin während ihres musikalischen und spirituellen Aufstiegs. In diesem Jahr haben Impulse! und die Verve Label Group in Zusammenarbeit mit dem John & Alice Coltrane Home das 'Jahr von Alice' ins Leben gerufen, eine einjährige Feier von Alice Coltranes bahnbrechender Arbeit.
Im Mittelpunkt der Feierlichkeiten stehen Coltranes wegweisende Aufnahmen für Impulse!, und das Label wird das ganze Jahr über mit dem John & Alice Coltrane Home zusammenarbeiten, um vielfältige Aktivitäten durchzuführen. Zur Eröffnung des einjährigen Jubiläums wird es am 22. Februar eine besondere Nacht mit Künstlern und Rednern geben, darunter Ravi Coltrane, Michelle Coltrane, Brandee Younger und mehr im legendären Birdland.

Die Domain www.musikwaren.de steht zum Verkauf!

Schön, dass Sie sich für die Domain Musikwaren interessieren! Diese Domain bietet Ihnen eine einzigartige Gelegenheit, Ihr Geschäft im Bereich des Musikhandel auf die nächste Stufe zu heben.
Die Domain Musikwaren ist nicht nur ein wertvolles Marketinginstrument, sondern auch eine Investition in die Zukunft Ihres Unternehmens. Durch die Nutzung dieser Domain können Sie Ihre Bekanntheit steigern und sich von der Konkurrenz abheben. Mit einer professionellen Webseite, die sich auf Musikwatren konzentriert, können Sie Ihre Kunden von Ihrem Know-how und Ihrer Leidenschaft überzeugen.
Preisabfrage unter: MSOS.

Der Wert von Domains ist und wird auch in Zukunft schneller steigen als jeder andere Rohstoff, den die Menschheit kennt. -Bill Gates-

Musikwaren I

Das Potenzial der Domain:
www.musikwaren.de in Stichpunkten

  • Musikinstrumente & Service
  • Zubehör- & Geschenkartikel
  • B-Waren & Hausmesse
  • Modernes Antiqariat
  • Workshops & Veranstaltungen
  • Instrumentenbau & Technik
  • Onlinebörse
  • Secondhand Instrumente
  • Preisvergleich-Portal
  • Großhandel & Werbung

www.musikwaren.de
Musikinstrumente - Zubehör - Plattform

Content Möglichkeiten für Musikwaren.de:

Musikwaren.de ist eine Domain, die derzeit zum Verkauf steht und potenzielle Käufer haben die Möglichkeit, sie zu erwerben. Diese Domain bietet viele Vorteile und besondere Möglichkeiten für Käufer, die in der Musikbranche tätig sind oder eine Verbindung zur Musik haben.
Der erste Vorteil von Musikwaren.de ist seine einprägsame und leicht zu merkende Domain-Name. Die Domain enthält die Schlüsselwörter "Musik" und "Waren", was für jeden, der nach musikalischen Produkten und Dienstleistungen sucht, leicht zu erkennen und zu verstehen ist. Diese Art von Domain ist ideal für Unternehmen, die in der Musikbranche tätig sind, da es eine klare und prägnante Beschreibung ihrer Produkte und Dienstleistungen bietet.
Ein weiterer Vorteil von Musikwaren.de ist die hohe Suchmaschinenoptimierung (SEO), die es bietet. Durch die Verwendung von Schlüsselwörtern in der Domain, können Suchmaschinen wie Google die Website besser erkennen und eine höhere Platzierung in den Suchergebnissen ermöglichen. Dies ist besonders wichtig für Unternehmen, die online verkaufen, da eine höhere Platzierung in den Suchergebnissen mehr Traffic und potenzielle Kunden auf ihre Website bringt.
Musikwaren.de bietet auch besondere Möglichkeiten für Unternehmen, die sich auf den Online-Verkauf von Musikprodukten spezialisiert haben. Die Domain ist ideal für einen Online-Shop, der eine Vielzahl von Musikinstrumenten, Aufnahmegeräten, DJ-Ausrüstungen, Notenblättern und vielem mehr anbietet. Die einfache und leicht zu merkende Domain kann dazu beitragen, dass sich die Website schnell einen Namen in der Musikbranche macht und eine starke Marke aufbaut.
Darüber hinaus kann Musikwaren.de auch als Plattform für den Verkauf von Musikdienstleistungen dienen, wie beispielsweise Musikunterricht, Aufnahmestudio-Verleih oder Musikveranstaltungen. Die Domain bietet eine perfekte Möglichkeit, um diese Dienstleistungen zu vermarkten und Kunden auf Ihre Website zu bringen.
Die Domain bietet viele Vorteile und besondere Möglichkeiten für Unternehmen, die in der Musikbranche tätig sind oder eine Verbindung zur Musik haben. Die Domain ist leicht zu merken und bietet eine klare und prägnante Beschreibung der Produkte oder Dienstleistungen, die angeboten werden. Die hohe Suchmaschinenoptimierung und die Möglichkeit, als Online-Shop oder Plattform für Musikdienstleistungen zu dienen, machen Musikwaren.de zu einer attraktiven Option für jeden, der in der Musikbranche tätig ist.

Musikwaren.de eine Ressource für den Musikhandel?

Die Domain musikwaren.de ist kurz, prägnant und leicht zu merken - perfekt, um sich von anderen Anbietern abzuheben und Kunden (Nutzer) zu gewinnen. Eine aussagekräftige Domain ist für den Musikhandel sehr wichtig, da sie es dem Kunden leichter macht, Ihre Website zu finden. Ein kurzer und prägnanter Domainname ermöglicht einen besseren Wiedererkennungswert und steigert die Sichtbarkeit in Suchmaschinenergebnissen (SEO).

Ein Foto zum Ende von Karim MANJRA auf Unsplash
Impressum: Volker Bruns - Kastanienallee 18 - 42489 Wülfrath - Fon: (+49) 2058-72543 Germany - Mail: bruns@musicsun.com